Una mirada a cuatro exposiciones de San Antonio

Dec 13, 2023

Letrero de exhibición "Milk" para Sean Thomas Johnston en Fl!ght Gallery, San Antonio. Foto: Colette Copeland.

Milk — Contemporary Glass de Sean Thomas JohnstonFl!ght Gallerydel 5 al 29 de enero de 2023

"Mármol de leche" de Sean Thomas Johnston. Foto: Colette Copeland.

Mejor conocido por sus intrincadamente detalladas canicas de vidrio, en su exposición actual, Milk at Fl!ght Gallery, Sean Thomas Johnston se aparta del soplado de vidrio tradicional y, en cambio, se aventura en el ámbito conceptual del arte contemporáneo. Al entrar en la galería, inmediatamente pensé en Duchamp y su ingenio subversivo. Tres paredes están revestidas con grifos que gotean gotas blancas. La referencia al ready-made, sin embargo, termina ahí. Si bien Johnston obtuvo los accesorios en Home Depot, los goteros son formas delicadas y orgánicas de vidrio blanco soplado a mano. Hablando con el artista, me dijo que el vidrio blanco es particularmente difícil de trabajar, ya que la lechosidad translúcida puede cambiar fácilmente a un color quemado cuando se manipula incorrectamente. Si bien Johnston no se inspiró directamente en Duchamp, se refería al cambio de materia de líquido a sólido y creaba una ilusión óptica con sus esculturas.

También se exhiben canicas de vidrio. Estos son muy laboriosos y cuentan con patrones orgánicos meticulosamente en capas. Sostenerlos a la luz crea un efecto caleidoscópico, que incluye destellos mágicos de arcoíris, que según Johnston son ópalos sintéticos. Las fotos no le hacen justicia al trabajo, por lo que si está en la ciudad, definitivamente necesita ser visto en persona.

Sean Thomas Johnston, "Milk", vista de instalación, 2023. Foto: Colette Copeland.

Sean Thomas Johnston, "Goteo de leche" (detalle). Foto: Colette Copeland.

****

Kim Bishop, "Corazones". Imagen cortesía del artista.

Kim Bishop: Threads & AftershocksInauguración en marzo de 2023 en la Sala Diaz

El trabajo de la artista Kim Bishop explora las conexiones familiares y los lazos que nos unen individual y colectivamente a lo largo del tiempo. Arraigadas en el cuerpo, sus piezas plantean preguntas sobre la libertad de género, los derechos de los padres y cómo la historia se repite. Threads & Aftershocks presentará una nueva serie de dibujos de hilos y dibujos de grafito a gran escala. La exposición estaba programada para abrir el 6 de enero, pero se pospone hasta marzo, debido a problemas de mantenimiento de la galería.

En lugar de ver la muestra en la galería, visité a Kim en el estudio de su casa para hablar sobre su trabajo. Un dibujo de tamaño natural captó inmediatamente mi atención. Inspirada en una pintura de Carlos Orozco Romero, Te llevo presenta a una mujer cuyo rostro está cubierto por una tela. Su collar (representado por Bishop como un contorno) está hecho de un cactus con espinas intactas; sostiene un cuenco para recoger la sangre derramada por las espinas. Simbólicamente, la mujer debe poner sus votos/pecados en el collar y luego desfilar en público para avergonzarla. Piensa en Scarlett Letter. La versión de Bishop incluye una plétora de imágenes detalladas y surrealistas dentro del torso de la mujer. Conceptualmente, este trabajo hace referencia al aborto y la reciente abolición de Roe vs. Wade, pero también habla de la crianza y la fuerza vital del amor materno, que prevalece a pesar de todo.

Kim Bishop, "Oración de la Madre" 2022. Foto cortesía de la artista.

Kim-Bishop, "My Grandmother's Thread 3", 2022. Foto cortesía del artista.

Kim Bishop, "Litografía e hilo", 2022. Foto cortesía del artista.

Bishop también ha estado trabajando en una serie de delicados dibujos de hilo hechos con el costurero de su abuela. Para hacerlos, comienza con un dibujo de líneas de contorno y luego borda sobre el papel. También emplea una técnica de grabado en la que quema el dibujo de hilo en una placa de litografía, que luego imprime y cose. Esta traducción de materiales funciona conceptualmente como el entretejido de familias multigeneracionales, el trauma heredado y el hilo que evita que los lazos se deshagan.

Dos dibujos que me conmovieron especialmente son La oración de la madre y El hilo de la abuela. La oración de la madre es un dibujo lineal de contorno de hilo del hijo del obispo con sus dos hijos. Un niño está en sus brazos y el otro camina de la mano con su padre. El trabajo representa las luchas de la lucha por los derechos de los padres, así como el deseo de garantizar que los hijos tengan la mejor vida posible. El hilo de la abuela es un autorretrato de línea de contorno minimalista. Los hilos rojo y azul representan la sangre a medida que viaja por el cuerpo, primero sin oxígeno y luego oxigenada con fuerza vital. Esto hace referencia a las líneas vitales: la conectividad de la familia en nuestras venas.

Kim-Bishop, "I Carry You", 2022, grafito sobre papel, 5 x 3 pulgadas. Foto cortesía del artista.

****

Jesus Treviño, "Carnesazo," 2021. Photo courtesy Presa House Gallery.

Jesus Treviño, "Recuerdos Come in Waves," 2022. Photo courtesy Presa House Gallery.

Jesus Treviño: Phantom in the HeadlightsPresa House Gallery6 de enero – 18 de febrero de 2023

Las pinturas de Jesús Treviño utilizan imágenes familiares como material de origen, explorando la experiencia del artista al crecer en la frontera entre Estados Unidos y México, así como temas de desplazamiento y borrado de la historia. Una obra de la muestra, Recuerdos Left in the Dust, es una pintura al óleo de dos paneles con pinceladas en espiral que evocan una tormenta de polvo de Texas con figuras etéreas en el centro y una camioneta blanca en el tercio derecho del lienzo. Treviño captura la belleza del cielo de Texas, pintando hábilmente la luz y el color cambiantes de una tormenta inminente. Mientras las figuras que representan la memoria se desvanecen, el hiperrealismo del camión ofrece un marcado contraste con el presente. Treviño también agrega aceite de motor usado del concesionario de automóviles de su familia al lienzo, lo que evita que la pintura se seque por completo. Como medio, el aceite de motor tiene muchas connotaciones, que hacen referencia al trabajo manual, así como a la plétora de pozos y refinerías de petróleo de Texas.

Jesús Treviño, "Petróleo sobre aguas turbulentas", Panel izquierdo. Foto cortesía de Galería Casa Presa.

Jesús Treviño, "Aceite sobre aguas turbulentas", panel central. Foto cortesía de Galería Casa Presa.

Jesús Treviño, "Petróleo sobre aguas turbulentas", panel derecho. Foto cortesía de Galería Casa Presa.

Al mirar toda la exposición, queda claro que hubo un cambio en la paleta de colores de Treviño en 2022. Las obras anteriores utilizan amarillos cálidos, como en Carnesazo, que representa una comida al aire libre con dos figuras. Una mujer joven y una silla están pintadas con vívidos detalles, pero la figura masculina se desvanece en el fondo saturado de sol. Interpreto esto como el recuerdo de los recuerdos de un familiar que falleció. El artista describe esta obra como símbolo de la fe que uno lleva dentro de sí mismo.

Jesús Treviño, "Recuerdos Left in the Dust", panel izquierdo de 2022. Foto cortesía de Galería Casa Presa.

Jesus Treviño, "Recuerdos Left in the Dust", 2022, panel derecho. Foto cortesía de Galería Casa Presa.

Fue difícil acotar sobre qué pinturas escribir, ya que muchas están imbuidas de una rica narrativa y contenido. El tour de force de la exposición es la obra de tres paneles titulada Oil Over Troubled Water. La composición muestra el Puente de las Américas (que conecta Ciudad Juárez y El Paso), con el Río Grande en medio de un tsunami masivo. Los espectadores observan pasivamente la tormenta mientras las olas amenazan con destruir el puente. El tercer panel muestra la calma después de la tormenta, con el puente aún intacto. Treviño usa azul cerúleo para representar el tumultuoso evento, pero deja el puente sin color, un mero contorno sin detalles. El puente es una presencia espectral que simboliza una esperanza o un sueño más que un recuerdo.

****

Lordy Rodriguez, "Pangea-1, Detalle 10, Países más ricos por patrimonio neto", 2022, Tinta sobre papel. Cortesía de Artpace.

Lordy Rodriguez: Since We Last MetArtpace12 de enero - 30 de abril de 2023

Lordy Rodríguez, quien fue el residente inaugural del programa de Artpace en 1995, regresa para exhibir selecciones de su trabajo que involucran el lenguaje del mapeo y las cuadrículas. El mapa y la cuadrícula como herramientas para el lenguaje visual son omnipresentes en la creación de arte contemporáneo de hoy; lo que más me interesa del trabajo de Rodríguez es cómo deconstruye el mapa como símbolo visual del poder y el colonialismo. En una entrevista en video, se refirió a su trabajo como "cartografía engañosa". Como espectadores, miramos los mapas en busca de dirección, no solo como dispositivos de navegación, sino también para tener una idea de la geografía del lugar. Rodríguez nos proporciona deliberadamente información dis/mis. Así, sus reimaginaciones de lugares y eventos cuestionan la autoridad gubernamental e institucional.

Lordy Rodriguez, vista de instalación de "Since We Last Met" en Artpace. Foto: Colette Copeland.

Lordy Rodriguez, vista de instalación de "Since We Last Met" en Artpace. Foto: Colette Copeland.

En la exposición, Rodríguez mapea eventos políticos significativos, como protestas y marchas. Uno podría preguntarse: ¿Cómo mapeamos los derechos de los votantes, la justicia social y el trabajo activista? En America Series, el artista reconfigura mapas de los EE. UU. en función de sus experiencias personales, viajes, recuerdos y deseos. En su charla de artista, habló sobre su papel como artista. Como inmigrante, se animó a convertirse en médico o ingeniero, por lo que para él, el arte es un acto de protesta social, ya que va en contra de las expectativas sociales.

Su serie actual, Pangea, se refiere a una masa de tierra hipotética que existió cuando todos los continentes se unieron hace unos 200-300 millones de años. En Pangeas de Rodríguez, reconfigura la geografía para comentar sobre cuestiones sociales, económicas y políticas. Panagea 1 es un mapa que conecta los diez países más ricos del mundo. Los dibujos detallados en tinta sobre papel muestran líneas intrincadas que denotan caminos, visualizando la interconectividad de la riqueza global. La riqueza económica contrastante es Panagea 2, que mapea países en la "lista de vigilancia", según el Centro Internacional de Rescate.

Lordy-Rodriguez, "Pangea 2, Detail, IRC Emergency Watchlist", 2022, tinta sobre papel. Foto cortesía de Artpace.

Sería negligente si no abordara los aspectos técnicos del trabajo: todas las piezas son increíblemente detalladas y laboriosas. Esto me recuerda la cartografía temprana y la importancia del trabajo manual preciso para crear mapas precisos. Quizás esta dedicación al trabajo manual obsesivo también sirva como un acto de resistencia.

Guarde mi nombre, correo electrónico y sitio web en este navegador para la próxima vez que comente.

D