50 grandes álbumes más del año

May 08, 2023

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Espera, ¿no hicimos esto ya? Bueno, no, no exactamente.

SPIN publicó recientemente una lista titulada Los 22 mejores álbumes de 2022, reuniendo selecciones de nuestro equipo editorial. Pero hubo demasiados grandes discos este año para meterlos en una sola pieza, así que... ¡suerte! Aquí hay otra lista, esta vez escrita por nuestros otros colaboradores.

La secuela es igualmente ecléctica, abarcando desde el indie-folk centelleante (Big Thief) hasta la psicología caleidosópica (Acid Mothers Reynols), el sabroso sludge-metal (Chat Pile) y el innovador R&B-pop (Beyoncé). Cavar en.

Que los maratonianos psicodélicos japoneses Acid Mothers Temple se asocien con la unidad argentina de "ruido automático" Reynols se siente, en retrospectiva, tanto inevitable como fantástico. Dejando a un lado la pepita de garaje cósmica "Bob Bubbles", Vol. 2020. Yo flotaba y me balanceaba como una hamaca interdimensional deshilachada, hermosa y lánguida, dos bandas fundiéndose en un todo gratificantemente integrado. Extraído de las sesiones de finales de 2017 que generaron el vol. 1, vol. El número 2 representa la otra cara de la moneda hiperoxidada de Acid Mothers Reynols: estriada, inflamada, que en momentos recuerda a Swell Maps o The Fall. "Antimatter-Sound Milkshake" salpica pianos alocados en una zona vagamente esbozada. "Sun Inside A Silent Sun" gira hacia arriba en un surco abrasador. vol. 2 cierra, por fin, con "Dimentional Brochette O'Clock", un movimiento caleidoscópico que hace cosquillas en el cerebro, que con suerte no es lo último que escucharemos de esta hidra de nueve cabezas. –Raymond Cummings

A la mierda la nostalgia. Alvvays ahora ha trascendido sus influencias de C86 para hacer el mejor disco de guitarra independiente del año. Si sus discos anteriores (y aún excelentes) incorporan la etiqueta de "shambling" del difunto John Peel, que elogiaba el amateurismo tímido del indie rock tintineante y agnóstico del pop, usted también, lector, puede ver (500) Days of Summer y iniciar una banda: Blue Rev patea ese revés por la ventana. No, no eres tan bueno escribiendo canciones como Molly Rankin y Alec O'Hanley. Y ahora son ruidosos. El zumbido inicial de Blue Rev de hecho resaltó el brillo estridente creado por una nueva sección rítmica y el súper productor Shawn Everett (y se escucha mejor en la apertura del álbum "Pharmacist"). Semanas después, lo que ahora se destaca son los detalles más discretos. Una referencia aparentemente desechable a Murder, ella escribió en una canción que lleva el nombre de una colección de cuentos cortos de Murakami que examina la tragedia desde la distancia, y luego verifica el nombre de una canción de Belinda Carlisle como una metáfora sin ironía para el futuro. Las armonías vocales al estilo de los Beatles en "Many Mirrors", el punto más alto de su carrera, se codean con la palanca de golpeo de Kevin Shields que suena tan grande como el océano. Rankin en "Velveteen" cantando, "¿Es ella un 10 perfecto? / ¿Has vuelto a encontrar a Cristo?", como si estuviera perdonando a un amigo. Quedan muchos más secretos por descubrir. –Brady Gerber

El tiempo ha sido algo extraño e impredecible para Animal Collective. Después de una ruptura a nivel de ensueño y dos discos subsiguientes divisivos, el grupo nacido en Baltimore suena rejuvenecido en Time Skiffs. La brecha más larga de álbumes de AnCo produjo uno de sus lanzamientos mejor elaborados, ejerciendo una influencia de jam band en su paciencia despreocupada y su dinámica apretada e impulsada por el ritmo. Canciones como "Prester John" y "Strung with Everything" retienen sus armonías más llamativas durante varios minutos. "Cherokee" brilla por su sublime y silencioso susurro de construcción, mientras que Deakin lleva más cerca "Royal and Desire" como un vals sin prisas que se niega a correr a través de su gracia. Animal Collective está apreciando el momento. – Natalia Marlin

Los Ashenspire de Escocia no introducen de contrabando la política de izquierda en su música, sino que introducen música de contrabando en su agitprop. Alasdair Dunn es tan elocuente como cualquiera en el metal sobre la lucha de clases y la bota eternamente pisando fuerte del fascismo, y sus letras en Hostile Architecture combinan memorias personales con llamamientos ardientes a la acción. Pronuncia su invectiva en un sprechgesang inspirado en Devil Doll, y el resto de la banda construye una cacofonía tambaleante de black metal de vanguardia detrás de él, sus violines y saxofones rechinan contra riffs angulares de guitarra y tambores aporreadores (interpretados por Dunn mismo). Musical y políticamente, Hostile Architecture está diseñada deliberadamente para inquietar. Ahenspire espera que te haga sentir lo suficientemente incómodo como para actuar. – Brad Sanders

Bartees Strange está aprovechando al máximo la creciente fama independiente: en "Cosigns", una canción de su segundo álbum, Farm to Table, se jacta de estar de gira con Phoebe Bridgers y FaceTiming con Justin Vernon. Para los fanáticos, ha sido emocionante ver el ascenso de su carrera luego de su debut en 2020, Live Forever. Pero como Strange también señala en "Cosigns", tiene hambre, y siempre apunta más alto. En Farm to Table, su sonido es más grande e infinitamente más seguro de sí mismo, desde el arena rock de "Heavy Heart" hasta el pop total "Wretched". Su poder de estrella es innegable, pero su enfoque en escribir grandes canciones no ha flaqueado. – Mia Hughes

En un género cuyos compositores parecen estar sujetos a los caprichos de los algoritmos mecánicos, Renaissance de Beyoncé no solo reinventa a la artista, sino también los contornos de la música pop en sí. Renaissance, la primera entrega de una trilogía, es una exhibición épica e impresionante de bravura que rinde homenaje a los pioneros de la música dance (negros, gente queer) de la única forma en que un Virgo podría: tan profundamente considerado e investigado que las muestras y alusiones del álbum justifica un curso universitario. Desde la muestra de las Clark Sisters en "Church Girl" hasta las apariciones del prolífico productor Nile Rodgers, la legendaria artista drag de los 90 Moi Renee y la elogiada DJ de house y techno Honey Dijon, el álbum se entrelaza a la perfección a través de décadas de tradición. Renaissance celebra el legado que ha llevado a la música negra a convertirse en sinónimo de la música estadounidense, de la misma manera que Beyoncé se ha convertido en sinónimo de excelencia. – Kriska Desir

La quinta entrega de Big Thief es uno de los grandes récords de rarezas domésticas, donde el mero hecho de preparar el desayuno con la radio encendida puede ser una experiencia psicodélica: puedes imaginarte a las felices criaturas bailando en el jardín de Adrianne Lenker. El aullido country de la cantante suena un poco más como el de Emmylou Harris con cada álbum, y si el sigiloso grito de Gram Parsons en "Simulation Swarm" es una indicación, ella lo sabe. En Dragon, se adentra en la tradición más amplia del rock de raíces estadounidense e incluso sugiere un origen bíblico para su composición en "Sparrow": Eve habló con serpientes y la guiaron, y sus descendientes todavía cantan al mundo. – Daniel Bromfield

Black Country, New Road, una de las bandas contemporáneas más extrañas en anotarse dos álbumes consecutivos en el top 5 del Reino Unido, genera una cacofonía a menudo vertiginosa, al estilo de Nick Cave, ladrando órdenes a una orquesta de cámara. Las referencias a una chica con el "estilo Billie Eilish" fundamentan la música al menos un poco en el presente, pero las trompas escalonadas al estilo de Steve Reich, el centelleante piano nocturno y una sección rítmica interpretada tan seca como Slint parecen injertadas de otra era completamente. Patinando hasta la línea divisoria entre enloquecedoramente obtuso y sorprendentemente original, Ants From Up There es incómodo en tu rostro en un momento y desnudamente tierno en el siguiente. –Jonathan Cohen

Llama a Black Midi como quieras: pesos pesados ​​del post-punk Gen Z, la segunda venida del jazz prog, teatro de cabaret que levanta el infierno, pero la propulsión inquieta de la banda es formidable. En Hellfire, el trío suena como el heredero aparente de King Crimson de la era Tongues de Larks. Los metales chirrían a través de vertiginosos arpegios de guitarra en "Sugar/Tzu", y Geordie Greep ladra como un subastador salvaje en "The Race Is About To Begin" en medio de los ritmos de batería ultrarrápidos de Morgan Simpson. Black Midi también tiene la misma habilidad para girar en un centavo, en el suave galope de "Still" dirigida por Cameron Picton o el giro bramido de Greep como cantante en "The Defense". O, quizás lo más discordante, en "Welcome To Hell", pasando de una carrera frenética a un piano de puntillas y cuerdas punteadas, y luego de vuelta con la misma rapidez. – Marlín

La canción de metal con la que más te identificas este año muestra cómo te pones estúpidamente drogado, queriendo acabar con tu vida y alucinando a Grimace drogándose estúpidamente también. "grimace_Smoking_weed.jpg" es el título de una canción de Terminally Online, pero Terminally Online son solo algunos de los personajes desesperanzados que Chat Pile de Oklahoma City teje para mapear God's Country. "Por qué" combina lodo metálico con la franqueza de Discharge para denunciar por qué permitimos que las personas sin hogar sufran innecesariamente. Las soluciones son obvias: la crueldad, desafortunadamente, siempre es el punto. La industria ganadera de la ciudad de Oklahoma también ocupa un lugar preponderante aquí: "Slaughterhouse" documenta la psicosis derivada de la explotación a través del pisotón al estilo de Godflesh, y un ladrón sin otras opciones exige que los rehenes se alineen como ganado en "The Mask". Vivimos en el País de Dios, vivimos con el costo del paraíso para unos pocos. –Andy O'Connor

A veces me olvido de lo que hacen las canciones. En el peor de los casos, un día no es como una canción: no trata de conocer el aire; no trata de mover el "saber" hacia el "cantar". Yo discordo. Pero luego escucho a alguien como Madison Cunningham, quien nombra "canción" por lo que es: un Revelador. El álbum skronks y trinos, skitters y shoops. Me estira, alarga mi anhelo con sus arañas de arte de guitarra ("Todo lo que he conocido") y revienta mi corazón en losas crujientes y del tamaño de un bocado de recuerdo cuando ("Dónde estás ahora") y me hace tropezar con los nombres que resuenan en mi historia ("Sara and the Silent Crowd"). Verbo mi ser. me mueve Gracias por las canciones, Madison. – Frank Falisi

MF Doom se fue, Gift of Gab murió, Kanye se transformó en un comentario consciente de YouTube, todavía no hay un nuevo álbum de Roots: mira, han sido unos años difíciles para los fanáticos del rap progresista de principios de la década de 2000. Cheat Codes, la largamente prometida colaboración entre Danger Mouse y Black Thought, es un bálsamo: 38 minutos de hip-hop sin pretensiones infundidos con funk y swagger. Black Thought suena energizado y virtuoso como siempre, escupiendo compases que recuerdan la intensidad de sus días de Game Theory/Rising Down, y es un alivio escuchar a Danger Mouse haciendo lo que Danger Mouse hace mejor: cortar y reproducir en bucle muestras de soul granuladas en lugar de producir álbumes mediocres. para U2 y RHCP. Las generosas apariciones especiales de Raekwon, Run the Jewels y un Doom póstumo refuerzan la sensación de renacimiento y reunión. – Zach Schönfeld

¿Quién tuvo el regreso de Death Cab a la relevancia del rock en sus cartones de bingo de 2022? El tenso décimo LP de la banda es el más urgente (y probablemente el mejor) desde Narrow Stairs de 2008, lo que parece que fue hace una vida para Ben Gibbard y el equipo. Su mesurada melancolía encuentra una nueva forma cuando se ve a través de la lente de la pandemia (cuando se escribió la mayor parte), comenzando con la hipnosis de cuarentena de "I Don't Know How I Survive". "Roman Candles" estalla con una batería de bombos distorsionados, y "Here to Forever" —su sencillo más nítido en, bueno, para siempre— disecciona el paso del tiempo con la precisión vocal de Gibbard. Pero la pista más ambiciosa es "Foxglove Through the Clearcut", una inquietante historia post-punk a medias sobre un hombre que vive cerca del océano pero le teme a la extensión del agua. Es una epopeya deslumbrante que, como el mejor trabajo de Death Cab, recompensa la escucha atenta. –Bobby Olivier

A Denzel Curry le encantan los discos conceptuales. En tributos anteriores al horrorcore y a las escenas callejeras de los 90, mostró tanto su amor por la historia del rap como su capacidad para adoptar un personaje. Pero, ¿cómo suena el verdadero Denzel Curry? Melt My Eyez See Your Future responde esa pregunta de manera inolvidable. Pulido pero enjuto, comercial pero nacido en una mochila, Eyez es tan franco como divertido, utilizando productores de la lista A (Kenny Beats, Thundercat) e invitados dinámicos (T-Pain, Slowthai) para atravesar estados de ánimo y sonidos con rebote sin esfuerzo. A veces lanzando compases incluso más brutales que en su época de horrorcore ("Policías matando negros cuando los blancos hacen más / Y tu supuesta revolución no es nada más que una publicación", dice furioso en "The Last"), hay inmensa capacidad de reproducción para Eyez, que también es el LP más accesible de Curry y uno de los mejores álbumes de rap del año. – Evan Sawdey

“La historia es más arbitraria que la ciencia ficción, porque la historia se escribe de acuerdo a lo que uno quiere que muestre”, nos recuerda Lucrecia (Martel). Y así: La música es viajar en el tiempo. Porque triunfan los tempos bolero-son del pop de ficción especulativa de Lucrecia Dalt ¡Ay! son tanto anclas narrativas como portales: "No Tiempo" suena una flauta tan flotante que corta la línea de árboles y la trompeta. ¿Es el traqueteo de la selva amazónica? ¿Solo una mesa de madera, una taza de té flotando? — y "Atemporal" hace explícitas las tensas intenciones de viajar en el tiempo del proyecto: la rumba y el sintetizador suenan juntos, nuestra vida tintinea hacia adelante y hacia atrás. Un pasado rememorable y un futuro sonable es solo componer, nos implora Lucrecia (Dalt). Brindamos a medida que flexionamos, dos veces al mismo tiempo. – Falisi

Parafraseando a Kurt Vonnegut, el rap no debería desaparecer por su propio culo. Defcee entiende la vacuidad del formalismo sin agallas y, en cambio, se adhiere al adagio de Hemingway de sangrar en cada compás bien esculpido. En For All Debts Public and Private, el álbum colaborativo del rapero de Chicago con el productor (y compañero de Chicago) BoatHouse, demuestra las habilidades que fortaleció en los renombrados micrófonos abiertos de la ciudad, tejiendo hábilmente metáforas con igual confianza y seriedad. Se mueve entre salvas devastadoras dirigidas a oponentes anónimos, revelaciones personales y análisis sociopolíticos, transformando la mundanidad paternal de lavar biberones en una flexión, ensartando a los alarmistas de la cultura de cancelación y golpeando a los políticos manipuladores. También puedes encontrar canciones dedicadas al amor adolescente ("Summer 06") y cómo lidiar con el vicio (Rossi, con Armand Hammer). BoatHouse ofrece una actualización sutilmente brillante del boom-bap de la costa este, cada ritmo es otra banda sonora para los viajes en tren en los gélidos días de invierno. La Import Edition ampliada del álbum confirma que Defcee es uno de los mejores raperos de Chicago y que el dúo debería reunirse para una secuela. – Max Bell

La cantante y maestra de la palabra hablada Florence Shaw abre Stumpwork, el segundo álbum de Dry Cleaning, con una pregunta perfectamente atrapante: "¿Debería proponer amistad?" A partir de ahí, el cuarteto británico cumple su parte del trato: colorean el post-punk de su debut de 2021, New Long Leg, con nuevos e ingeniosos sonidos, desde cameos de saxofón hasta melodías pop de ensueño. Pero tampoco han perdido la inmediatez a la que eras adicto: "Gary Ashby" es un estallido energético con el que puedes bailar, mientras que la línea de bajo de "Conservative Hell" (con suerte) te hará pensar menos en la falta de agencia en crecer conservadoramente y más sobre ese gancho infeccioso. – Papa Cervanté

Desde la apertura de un casete que hace clic en una consola, el mixtape de 17 pistas de FKA Twigs nos lleva a través de un universo proteico de dancehall, R&B salpicado de trap y pop de ensueño que bordea la corriente principal para mantener la inventiva. Al igual que el exuberante y deliciosamente caótico período previo a una noche en el club, los fragmentos de sonido transportados por el viento de los propios amigos de Twigs que se unen para animarse mutuamente se encuentran con poderosas colaboraciones (Jorja Smith, The Weekend, Daniel Caesar, Shygirl, Pa Salieu ). Estos sonidos infunden la "narrativa de curación" de la cantante británica con una verdadera vibra de bailar mientras llora, decidiendo divertirse en el fin del mundo: las canciones que todos necesitamos en este momento. – Andrea Busell

Freddie Gibbs esperó más de una década para lanzar su debut en un sello importante, $oul $old $por separado. Más exactamente, el nativo de Gary, Indiana, pasó los años posteriores a que Interscope lo dejara atrás creando un catálogo intachable, refinando historias sombrías de ventas de crack y burlándose de la política de la industria discográfica sobre ritmos de trap a todo volumen, suites de Madlib de vanguardia y lúgubres producciones de Alchemist. $$$ no ofrece una narrativa diferente sino que convierte la vida de Gibbs en un éxito de taquilla. La producción es más grandiosa, los ritmos variados pero colectivamente cohesivos de todos, desde Madlib y Kaytranada hasta James Blake, están cubiertos del mismo brillo que hace que los yates brillen bajo el sol. Gibbs rapea con más pulido para combinar, entrando y saliendo de cadencias de doble tiempo y entregando coplas a medio cantar como un miembro perdido hace mucho tiempo de Bone Thugs. Líricamente despegado en el tiempo, salta entre décadas de lucha y éxito, sirviendo champán para celebrar, comprando diamantes para cegarlo por el trastorno de estrés postraumático y soplando humo para ahogar a los demonios persistentes. El tema del casino del álbum es suelto, pero habla de la apuesta que hizo Gibbs con $$$: hizo un álbum con mentalidad comercial sin hacer ninguna concesión artística. Y ganó - Campana

Gospel es el regreso más inesperado y bienvenido de 2022: ¿quién pensó que los místicos avant-hardcore de Nueva York regresarían alguna vez? Teniendo en cuenta que su disolución inicial se debió a quemar demasiado, y que su debut se produjo en 2005 (!!!), The Loser suena sorprendentemente preparado para amontonarse en la furgoneta y romper con Converge una vez más. Los teclados, a saber, los golpeadores confiables Mellotron y el órgano, ocupan un lugar más destacado aquí: el abridor "Bravo" es como Jon Lord diría "Quiero ver un jodido pozo circular", y conducen a "SRO" de nudoso hardcore rager a éxtasis alucinante. . Y cuando se trata de puro sudor de guitarra, "White Spaces" muestra que pueden flexionar con una confianza inquebrantable. – O'Connor

JID había sido bastante discreto sobre los detalles de su educación, pero todo eso cambió en The Forever Story, una extensa y tardía autobiografía del rimador de Atlanta. Aquí, fusiona flujos nerviosos de tres tiempos con detalles precisos de su pasado, contando historias de problemas con su hermana ("Sistanem"), peleas callejeras familiares ("Crack Sandwich") y resiliencia. "Dance Now" y "Bruddanem", protagonizada por Lil Durk, exhiben rimas ágiles y narraciones imaginativas, pero la más destacada es "Kody Blu 31", con la expresiva voz de JID, la composición simbólica de canciones y una inesperada fusión gospel. – Peter A. Berry

Estos rockeros australianos alarmantemente prolíficos a menudo han dedicado álbumes completos a un solo género. Pero rara vez se han estirado tan descaradamente como lo hacen aquí, con siete canciones en una hora de música creada a partir de sesiones improvisadas maratónicas con cambios de instrumentos. "Ice V" es puro funk color Jerry; "Lava" es un mantra con tintes de flauta sobre volcanes y serpientes; y los 13 minutos de "Hell's Itch" no sonarían fuera de lugar a todo volumen en los parlantes de una camioneta hippie en el estacionamiento de un espectáculo de Dead. Aterrizando en un territorio más familiar de tres guitarras, "Iron Lung" hierve a fuego lento con "¿por qué mi cuerpo no funciona?" se lamenta antes de explotar en un final riff-tastic, cantado por Ambrose Kenny-Smith, digno de AC/DC de principios de los 80. Mas por favor. – Cohen

Cuatro años después de que el sencillo "Abusey Junction" de Kokoroko ganara la atención de Internet, la banda londinense de ocho integrantes cumple esa promesa con su álbum debut. Repleto de trompetas triunfantes y ritmos intrincados, el proyecto es una combinación hábil y segura de sí mismo de sonidos que abarcan la diáspora africana, desde la brillante guitarra highlife con fuertes coros en "Ewà Inù" hasta los ritmos infundidos con funk de "Something's Going On". a las voces con inflexiones de gospel en "Those Good Times". El título del álbum sugiere un espíritu emprendedor, un esfuerzo hacia el más allá; una pista destacada se titula acertadamente "Age of Ascent". Este LP expansivo y de gran alcance tiene éxito en ese objetivo. – Kriska Desir

Steve Lacy obtuvo un buen impulso en popularidad después de que "Bad Habit" hiciera la banda sonora de todo tipo de video, desde lo mundano hasta lo inspirador, en TikTok. El fragmento de "Me muerdo la lengua; es un mal hábito" impulsó el ascenso de la canción al número 1 en el Hot 100 en octubre. Volverse viral con más de 500,000 videos de TikTok reportados generó una atención bien merecida para Gemini Rights, en el que se recupera de una ruptura en la vida real y apunta a amar más. El guitarrista y productor de Internet combina pop de dormitorio ("Helmet"), R&B delicado ("Mercury") e indie funk ("Sunshine" con Fousheé) para formar una identidad sonora completamente propia. Al final del álbum, siguió adelante y está listo para compartir su corazón nuevamente. –Eric Diep

Cate Le Bon ya hizo un álbum de encierro antes de su álbum de encierro, después de haberse mudado a una región remota y montañosa de Inglaterra para crear su sublime y delicado álbum de 2019, Reward. Pero cuando surgieron circunstancias similares, no por su propia elección, durante la realización de la continuación de Pompeii, la compositora galesa golpeó con un mazo la quietud de ese álbum, haciendo esculturas expresionistas a partir de sus fragmentos destrozados. Pompeya, una maravillosa obra de arte-pop dadaísta enrutada a través del post-punk de los 80 y el Bowie de la era berlinesa, combina observaciones oblicuas (como "Imagina la fiesta en la que estás parado en una era moderna" o "En la nueva versión de mi vida, Me moví en línea recta") con arreglos juguetonamente torcidos. La visión de Le Bon sobre el escapismo no tiene un destino fijo: simplemente pone su brújula en otro lugar, saboreando el paisaje desconocido mientras redescubre el placer de perderse. –Jeff Terich

Lucky Daye ha estado dando vueltas en la industria durante mucho tiempo, audicionó para American Idol en 2005 y coescribió el éxito de 2008 de Ne-Yo y Jamie Foxx, "She Got Her Own". Pero el cantante de Nueva Orleans, que recientemente cumplió 37 años, finalmente alcanzó un punto de inflexión este año, ganando su primer Grammy y logrando su primer éxito en el Hot 100 con el sample de Music Soulchild "Over". Incluso escribió un éxito country, "Wishful Drinking" de Ingrid Andress y Sam Hunt. Su segundo álbum, Candydrip, es la cima después de ese lento ascenso en su carrera: un triunfo de baladas densamente texturizadas, falsetes suaves y letras reflexivas sobre relaciones tóxicas. –Al Shipley

El empalmador de ritmos Makaya McCraven ha pasado la mayor parte de la última década deconstruyendo shows colaborativos en vivo en un collage de su propia imaginación. Es una práctica singular, cortar secciones de improvisación en el escenario de diferentes períodos e intérpretes en una nueva experiencia intuitiva. Sin embargo, In These Times vuelve a colocar el oído del baterista de Chicago para la composición en la sala en vivo del estudio, con una cirugía de producción mínima. Las melodías suaves resultantes interpretadas por el guitarrista Jeff Parker y la arpista Brandee Younger impregnan los ritmos frenéticos de McCraven, creando su disco más cálido y directo hasta la fecha. Un testimonio del poder artístico en el aquí y ahora. – Ammar Kalia

En ese momento, Melody Prochet consideró el Bon Voyage de 2018 como el final de la Cámara de eco de Melody, un momento para una reverencia y una salida. Y teniendo en cuenta que tomó seis años para seguir su debut homónimo de 2012, y que sufrió un "accidente grave" en 2017, parece razonable tomarle la palabra. Entonces, fue una sorpresa que llegara con un nuevo álbum (relativamente) rápido, regresando de unos años restauradores criando una familia en los Alpes franceses, con Emotional Eternal, una brillante mezcla heterogénea de psicodelia barroca. Si Melody's Echo Chamber fue un registro de descubrimientos con patas de cervatillo, y Bon Voyage fue un loco viaje canguro al más allá, Emotional Eternal es Prochet encontrando aguas (relativamente) tranquilas y estables. Como un eco que resuena impredeciblemente en las paredes, el viaje continúa. –Nate Rogers

Messa una vez describió su sonido como "scarlet doom", y no necesitas sinestesia para saber por qué. La música vívida y dramática de la banda italiana tiene el color de la sangre, el color del vino, el color de las películas de sus compatriotas Mario Bava y Dario Argento. En su tercer álbum, Close, agregan generosas dosis de oud, mandolina y duduk a una paleta sónica que ya incluía el piano y el saxofón de Rhodes. El doom metal no es un conjunto de restricciones para Messa, sino un principio organizativo. Cada nuevo sonido que incorporan sirve a su atronadora visión. Para cuando la líder Sara Bianchin cubre con el rico terciopelo de su voz canciones como "Suspended" y "Pilgrim", ya estás cautivado por Messa, arrastrado por su marea escarlata. – Lijadoras

El sexto álbum de Mitski, Laurel Hell, es un triunfo de bops embrujados, de sentimientos complejos y de sintetizadores sublimes. Es difícil elegir una pista destacada: la obra de teatro mayor-menor de "Working for the Knife", el himno de piano y el ritmo lleno de vida de "Stay Soft", los repiques de sintetizador de "The Only Heartbreaker" y "Love Me More", el Blondie-esque "Should've Been Me", la jubilosa tristeza de "That's Our Lamp". Está entretejido por la voz clara de campana de Mitski Miyawaki, la mirada del zapato rebotante y los sentimientos difíciles. Laurel Hell es para todos los que se preocupan por haber hecho giros equivocados, o que han hecho giros por ellos, y quieren bailar hasta que la posibilidad vuelva a llamar. -Hillarie Ashton

2020 debería haber sido el año de Momma, pero la pandemia eclipsó lo que estaba destinado a ser su segundo LP, Two of Me. Aún así, el dúo de Brooklyn volvió más fuerte que nunca con su debut en Polyvinyl, Household Name. Con melodías contagiosas y letras mordaces, Household Name está lleno de angustiosos himnos del futuro. El proyecto sirve como un álbum conceptual suelto y satírico sobre el ascenso a la fama como estrellas de rock, al tiempo que entreteje narrativas personales y sinceras, como en "Lucky", una canción melancólica sobre las dificultades de estar separado de tu pareja mientras estás de viaje. Momma rinde homenaje a sus héroes musicales, a saber, Pavement, Smashing Pumpkins y Liz Phair, mientras sigue dando forma a su música para que suene original. – Tatiana Tenreyro

Más conocida por los ritmos industriales y la palabra hablada de confrontación, la música de Moor Mother a menudo recuerda el libro que los situacionistas publicaron con portadas hechas de papel de lija: cuanto más abrasivo, más difícil de comercializar. Construido a partir del free jazz y el hip-hop con un guiño al neo-soul, Jazz Codes es su álbum más accesible desde el punto de vista sonoro, pero sigue siendo intransigente y puede que se esté volviendo más poderoso. A veces, rapeando como una vidente en trance, el músico de Filadelfia, ayudado por una variedad de colaboradores, inquieta y anima con momentos tranquilos y misteriosos, como si estuviera celebrando una sesión de jazz/blues/rap, una comunión de generaciones negras, una oración por la continuación. –Beverly Bryan

En lugar de simplemente recrear su debut, Haru Nemuri eligió la deconstrucción para su segundo álbum. La palabra aparece a lo largo de los títulos de las canciones de Shunka Ryougen, y es clave en cómo el disco reconfigura la mezcla de art rock, noise pop y hip-hop de Nemuri. Después de que el primer corte "Never Let You Go" vira hacia un colapso nu-metal, el proyecto en expansión parece que puede ir a cualquier parte en cualquier momento. Feedback sumerge abruptamente a "Heart of Gold" en el frenesí post-hardcore de "Shunrai", mientras que "Old Fashioned" lanza inesperadamente un gancho hiperpop Auto-Tuned. Nemuri, astutamente, sabe que ir a cualquier parte significa también saber cuándo ir directo, como en el coro pop de ruido en cascada de "Bang" o con su estribillo más contundente: "¿Quién diablos está quemando el bosque?" – Marlín

Please Have a Seat de NNAMDÏ redobla las contradicciones por las que se ha hecho conocido el multiinstrumentista de Chicago. La apertura emo-pop del álbum, "Ready to Run", irrumpe en la canción trap al estilo de Migos "Armoire", mostrando su fusión característica de géneros dispares. Y a pesar de la invitación del título del álbum a unirse por un momento de pausa, el estribillo final del proyecto alude a una inquietud existencial ("Algunos días me levanto listo para correr hasta donde mis piernas me lleven"). Todo el experimento está consagrado en un pop pegadizo y melódico, incluso cuando las letras apuntan a la alienación y la ansiedad. En última instancia, por favor tome asiento no es solo una invitación; es también la audaz negativa de un artista a negar su multiplicidad. – deseo

Treinta años después de unir por primera vez el folk y la electrónica, Beth Orton se ha convertido silenciosamente en una de las sintetizadoras más sutiles que existen. Weather Alive, que es tan envolvente y audaz que suena como un álbum de regreso, combina el folk de Albion con el avant-jazz, pulsos electrónicos con acordes de piano prismáticos, imágenes líricas concretas con texturas musicales ambientales, Solid Air con Nebraska. Es un álbum sobre sentirse abrumado por el mundo natural, por una canción favorita, pero un recuerdo atesorado o temido. "El clima es tan hermoso afuera", canta en la canción principal. "Casi me dan ganas de llorar". También es un álbum que abruma, de un artista que hace que lo sublime suene perfectamente discreto. – Stephen Deusner

"Está casi seco. Álbum de rap del año". La confianza de Pusha T era claramente contagiosa, incluso Tom Brady se convirtió en creyente. King Push cree que su cuarto LP de estudio le hará merecedor de un Grammy porque nadie rapea con la misma crueldad e inteligencia. Llamó a Pharrell Williams y Kanye West para hacer una batalla pseudo-Verzus de 6 contra 6 ritmos, creando una malla estilística para que el maestro de ceremonias cortara más referencias a la cocaína con su humor y patetismo habituales. Es uno de los pocos álbumes de rap sin saltos y con una característica de Jay-Z ("Neck & Wrist"), que ilumina a un purista técnico cuyo propósito es mantener el producto. –Eric Diep

El segundo largometraje de Raveena se enmarca como un álbum conceptual sobre las aventuras de una princesa espacial de Punjabi. Esta estructura suelta le da a la artista espacio para flexibilizar su ambición: la percusión india y las referencias de Bollywood animan su efervescente R&B, mientras que la visión etérea oculta una composición nítida. "Kathy Left 4 Kathmandu" derriba sin piedad la mercantilización occidental de la espiritualidad oriental, pero incluso "Rush", que golpea como la oxitocina convertida en ondas de sonido (piense en Mariah Carey en su momento más burbujeante), tiene una ventaja. Letras como "Heard she's made of music / Ready for your ruin / American fantasy" arrojan una mirada irónica sobre estar exotificado en una relación. – Bryan

Dawn Richard es una de las futuristas más apasionadas del pop y, en Pigments, su voz atraviesa los nudos musgosos y las dendritas de los arreglos de Spencer Zahn como un chorro de sangre alienígena plateada. La emoción de escuchar tanta atención prodigada en filigranas y florituras orquestales es un placer esencialmente anticuado, y Pigments suena más como un ciclo de canciones de pop de cámara que como uno de los acerados discos solistas de Richard. Pero ella se encuentra en su centro como un faro de locura futurista, su voz untada con efectos de voz de Dios, cediendo espacio a Zahn cuando es necesario para que cada una de sus apariciones se sienta mucho más como un evento sísmico. – Bromfield

Rosalía se convirtió en una superestrella internacional con su segundo LP, El Mal Querer de 2018, y se ganó la presión de seguir su innovador proyecto de trap flamenco con algo igual de emocionante y fresco. Con Motomami demuestra su versatilidad, incorporando una plétora de nuevos sonidos y estilos, incluyendo jazz, bolero y dembow. Con canciones con nombres divertidos como "Pollo Teriyaki" y "Hentai", Rosalía te deja adivinando lo que vas a encontrar. Afortunadamente, las pistas en sí son tan llamativas como sus títulos. – Tenreyro

El dinámico tercer álbum de Saba, Pocas cosas buenas, insiste en el vínculo inextricable entre el pasado y el presente, la alegría y el dolor, la belleza y la pérdida, un equilibrio simbolizado tanto en el álbum como en un cortometraje que lo acompaña, ambientado cerca de la casa de la bisabuela del rapero en el Lado oeste de Chicago. Incluso cuando Saba explora el miedo persistente de perder su estabilidad ganada con tanto esfuerzo en "Fearmonger", por ejemplo, lo hace con ironía, mostrando su lirismo ágil y juguetón. Se resiste a la reducción de su vida al trauma; en esta carta de amor a la casa del rapero, Saba demuestra que su vida y su música son mucho más. – deseo

En Squeeze, Sasami subvierte la toxicidad del heavy metal, dándole al género un impulso muy necesario en inteligencia, composición y estilo. Sasami, una música de formación clásica que coqueteó con el indie-folk en su debut en 2019, gira con éxito en todos los subgéneros de la música pesada. Este segundo álbum comienza con el scuzz de thrash metal de "Skin a Rat". Más tarde, llega a un club gótico industrial en "Say It". Incluso el doom orquestal aparece en el final "Not a Love Song". Squeeze no es el típico disco de hard rock idiota. Es algo mucho más convincente: una explosión nuclear que extingue tanta mediocridad del metal. – Matt Sigur

En la era de Internet, todo es gratis: películas, novelas, álbumes, pero también información. Nos prometieron una utopía tecnológica, un mundo de los Supersónicos, pero tener la suma de la sociedad al alcance de la mano no impidió que el tren se saliera de las vías. Y cuando nos bajamos para inspeccionar los daños, estaba uno de los tecnocríticos originales, Thom Yorke, esperando, sonriendo. "Free in the Knowledge / Que un día esto terminará" es como nos consuela el siempre alegre Yorke en "Free in the Knowledge", prácticamente encogiéndose de hombros. Hecho con su antiguo general de Radiohead Jonny Greenwood (en todo, desde la guitarra hasta el arpa) y el nuevo recluta Tom Skinner (batería), A Light for Attracting Attention de The Smile no es, tanto en sonido como en espíritu, un álbum de Radiohead. En cambio, es un intento de hacer algo que Radiohead nunca se ha permitido hacer: examinar casi todos los saltos sónicos que la banda ha emprendido para llegar hasta aquí. Está el ataque punzante de guitarra de The Bends ("You Will Never Work in Television Again"), el ataque de pánico empapado de sintetizadores de Kid A ("We Don't Know What Tomorrow Brings"), el ballet arpegiado de In Rainbows (" Skrting en la superficie"). Y la línea principal de todo esto es, por supuesto, nuestro amigo Yorke, que suena a veces como un loco o un profeta. ¿Alguien puede notar la diferencia? –Nate Rogers

Combinando flujos ágiles con emociones profundas (y las voces flexibles para que las sientas), Luv 4 Rent de Smino es un retrato impresionista del romance, la familia y el funk defectuosos. Para el proyecto, el rapero de St. Louis alterna entre remates asociativos semi-libres y momentos de profunda vulnerabilidad, entrelazándolos con honestidad, ingenio descarado y mucha sinceridad. Puede estar un poco ocupado y hay mucho material para desempacar, pero con su calidez hogareña y sincera, el álbum te invita a sentarte con él un rato, con Smino como el tipo de anfitrión que te canta una canción. – Baya

Los Soul Glo de Filadelfia son portavoces de esta generación moderna de hardcore. Y en los problemas de la diáspora que cambian el juego, infligen golpe tras golpe con su singular vorágine sónico, en efecto, dando la vuelta al modelo del género mientras avergüenzan a sus contemporáneos. Su cuarto LP es una olla a fuego lento de ira justificada contra el sistema dominado por hombres blancos, ya sea en la escena del bricolaje o en el panorama político, y Diaspora Problems presagia una banda hirviendo y al borde. El álbum ocupa su propio universo, creando una cacofonía embriagadora y cargada de ganchos de furia hardcore, ritmos de hip-hop y salpicaduras electrónicas. "¿Quién va a golpearme el trasero? ¿Quién diablos va a golpearme el trasero?" se lamenta el vocalista Pierce Jordan. Tenga la seguridad de que la única patada en el culo será cortesía de Soul Glo. Un clásico instantáneo si alguna vez hubo uno. –Brad Cohan

Al escuchar el nuevo Spoon, es posible que te sorprendas pensando: "¿Pueden hacerlo de nuevo?" En el décimo álbum de estudio de la banda, Lucifer on the Sofa, los aspectos más destacados aparecen temprano y con frecuencia. Los fanáticos sin duda saborearán el rugido de la guitarra en "The Hardest Cut", la canción de amor/himno uno-dos de "Wild" y "My Babe", y los pianos al estilo Bowie en "On the Radio". El disco se basa en una de las mejores canciones en el ya fuerte catálogo de la banda: la canción principal, con saxofones que suenan como gritos distantes de una ambulancia. Cuando termine la última canción, es posible que te encuentres sin dinero en el sofá, conmocionado por lo que acaba de suceder. Es entonces cuando te das cuenta, "Maldita sea, Spoon lo ha vuelto a hacer". – Sigur

Ramona Park Broke My Heart es un collage de verdades complicadas. En "The Beach", Vince Staples destila recuerdos de vigilias a la luz de las velas y bromea sobre los enemigos caídos con humor negro y sinceridad, tonos opuestos que logra enhebrar a la perfección. Con su ambiente de la Costa Oeste y su melodía relajada, "Lemonade" suena como un indulto alegre, pero su letra explica cómo las ilusiones de amor pueden resultar en una muerte prematura. Staples usa subtexto, musicalidad subestimada e ingenio irónico para colapsar la distancia entre las emociones y alcanzar una condición básica de vida: la mayoría de las cosas son un poco buenas y un poco malas. Agridulce, de hecho. – Baya

En su álbum debut como Sudan Archives, Athena de 2019, Brittney Parks presentó una imaginación pulida y escultural de su música. Armada con su violín, produjo un entretejido delicioso de tradiciones de cuerdas no occidentales y melodías de R&B. La reina del baile de graduación marrón natural de este año es un punto de partida marcado. Atrás quedó su aplomo anterior, suplantado en su lugar con ganchos ensordecedores y coros para cantar que se inclinan hacia el pop. Riffing a través de aplausos soul y melodías de una cuerda en "NBPQ (Topless)", cantando sobre un bajo atronador en "Selfish Soul" y rebotando a lo largo del sintetizador-funk de "Chevy S10", Natural Brown Prom Queen es Parks liberado en un glorioso experimentalismo, con el violín como instigador de su fiesta. – Kalia

En esencia, Wet Leg son agentes del caos en su debut homónimo, un derroche de guitarras que se acercan y ganchos agudos que enmarcan divertidas exploraciones de lujuria y letargo. Debajo del efecto vocal ultraseco de la cantante Rhian Teasdale fluye una cascada de emociones fuertes mientras ensarta interacciones rutinarias en fiestas tediosas, llama a exnovios que se masturban y, en el sencillo principal deliciosamente inexpresivo "Chaise Longue", convierte una silla reclinable en un tótem. de seducción Junto con canciones apretadas y pegadizas, lo que hace que Wet Leg sea tan convincente es la racha de astuta insolencia que las fermenta: Teasdale y Hester Chambers son divertidas, obscenas e imperturbablemente seguras de sí mismas. –Eric R. Danton

Billy Woods es un talento lírico singular que a menudo está en buena compañía. Es la mitad de Armand Hammer, cuyo Haram estaba en la lista de los mejores álbumes de 2021 de SPIN, y ha compartido espacio de cera con maestros de ceremonias como Moor Mother y productores como Kenny Segal y Messiah Musik. Aethiopes no es diferente en ese sentido, Woods esta vez se unió a Preservation, quien previamente colaboró ​​​​con Ka y lanzó un álbum de ritmos extraídos de hallazgos oscuros en Hong Kong. Las excavaciones más profundas de Preservation sientan las bases sombrías para las intrincadas narrativas de Woods, entrelazadas con imágenes de déspotas caídos en desgracia, conflictos matrimoniales y montando un pegaso negro con la cabeza de Medusa en un saco. Aethiopes es Woods en su forma más ansiosa y vívidamente surrealista, un hito en su carrera seguido de otro éxito solo seis meses después. – Terich

El álbum debut del punk Wu-Lu del sur de Londres es una clase magistral sobre cómo aprovechar el descontento de la vida moderna de la ciudad para crear pistas de catarsis comunal llenas de ritmo y ritmo. El sencillo "South" muestra su grave voz de barítono mientras lamenta la gentrificación del barrio predominantemente caribeño de Brixton, alardeando de guitarras estruendosas y tambores de baja fidelidad; mientras tanto, números como "Times" y "Broken Homes" se desvían aún más hacia el grunge listo para el moshpit, todo reforzado por melodías memorables y habladas. Las hábiles funciones de la cantante Léa Sen y el rapero Lex Amor se suman al conjunto de nuevos talentos de Wu-Lu, marcándolo como un poderoso orquestador de la desafección musical. – Kalia